La nef des fous
Le blog de Jean-Pierre Humbert

MON BLOG :  … Ma nef pour voyager au long cours en position assise … Le carnet de bord de mes aventures et de mes rencontres picturales … Avec moi, larguez les amarres … Naviguons gaiement, ensemble vers l’inéluctable naufrage

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COMPTE À REBOURS – JPH – Gravure – 1991

Cette œuvre a été réalisée pour accompagner l’édition de tête du livre “PARADIS PERDU” édité en 1991 par l’Atelier Galerie Contraste. Un ouvrage qui donnait à voir les créations des 85 artistes qui ont participé au PRIX CONTRASTE DE L’ESTAMPE ORIGINALE. Ces artistes invités venaient de 23 pays différents et tous les continents étaient représentés. La vente de l’édition de tête a largement contribué au financement du concours qui avait aussi bénéficié du soutien de 3 institutions fribourgeoises. La remise des prix aux 3 lauréats (Éric Robert-Aymé, France – Albin Brunovsky, Slovaquie – Jean Coulon, Belgique) a eu lieu au Musée d’Art et d’Histoire de Fribourg qui avait organisé pour l’occasion une grande exposition subdivisée en 5 parties. Chaque lauréat présentait une trentaine de gravures, les estampes en concours étaient toutes exposées et l’atelier Contraste présentait mes créations et ses éditions d’estampes. Dans ce décor, j’assumais l’animation avec notre presse pour l’impression de la gravure en taille-douce.

Souvenir lumineux: pour la confection des cartes de géographie, la confédération employait des graveurs en ce temps-là. Ils étaient tous venus ensemble pour visiter l’exposition. Armés de leurs compte-fils, ils ont passé 3 bonnes heures à ausculter, fascinés, les subtilités des œuvres exposées. Suivirent des échangent passionnants et passionnés. Amusant et inoubliable!

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 GOING TO FRIBOURG – Gravure d’Arthur Geisert

Arthur Geisert avait participé, en 1991, au concours international de gravure «PARADIS PERDU» organisé par l’Atelier-Galerie Contraste. En 2004, nous l’avions invité à venir à Fribourg pour réaliser une estampe pour notre abonnement «FRIBOURG, vu d’ailleurs». Nous l’attendions au mois de septembre, impatients de découvrir l’œuvre que notre ville lui inspirerait.

Malheureusement, le voyage n’a pas eu lieu. Cette contrariété a stimulé l’imagination d’Arthur Geisert qui nous a envoyé la gravure «GOING TO FRIBOURG». Il nous démontre que rêver, c’est déjà voyager. Il nous prouve aussi qu’on a tort de dénigrer les clichés fournis par les offices de tourisme. S’ils n’ont que peu d’influence sur l’indice de fréquentation des hôtels, ils représentent une chance de voyager à l’œil.

Notice biographique – Arthur Geisert est né en 1941. Spécialisé en sculpture et en gravure, il expose dans de nombreux grands musées américains. Il est un jour remarqué par un éditeur qui lui propose de faire des livres pour enfants… Il a aujourd’hui publié de nombreux livres primés. Il a une passion pour les cochons, héros de tous ses livres !

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JPH – Technique mixte – 1965-2006 – Texte JPH

Le cinéma de papa, c’est le titre de ma première lithographie réalisée en 1965 chez Dédé Robert et dont j’ai égaré le tirage. À partir d’une piteuse maculature retrouvée à la Bibliothèque Cantonale Universitaire de Fribourg, j’ai construit cette version digitale. Après quelques modifications du document noir-blanc, je me suis attelé à produire une version colorisée.

Comme cela se fait avec le cinéma de papa.


Technique mixte – Texte et dessin JPH – 2002-2007

Deux arbres généalogiques se rencontrent.
Ils papotent, font des projets.

Pour s’associer, faire des petits,
Il faudra assainir, couper quelques branches.


Photo Mulhauser – Fribourg – Fond BCU

Texte de JPH

Au 4e siècle avant J-C, le philosophe grec Aristote découvre que la lumière entrant dans une pièce sombre par un petit trou projette sur le mur d’en face l’image inversée des objets placés devant l’orifice : « la camera obscura ». En 1826, Nicéphore Niepce réussit la première expérience de fixation permanente d’une image de la nature. En 1990, le premier appareil numérique sans film voit le jour. Aujourd’hui, selon votre tempérament, vous pouvez photographier ou filmer des scènes touchantes ou compromettantes avec votre téléphone portable et les diffuser quasi instantanément et simultanément à des correspondants, journalistes ou simples voyeurs, résidant dans le monde entier.

Il est impossible de comptabiliser le nombre d’images produites en 182 ans par ce moyen que les plus optimistes qualifient d’expression. Une chose est sûre, bien qu’encore très jeune, la photographie est une catin qui a beaucoup vécu. De la chambre à coucher au champ de bataille ; émouvante, banale, belle ou sordide, il n’est pas une seule situation que son objectif n’ait captée mille fois. Restituées par la presse et les éditeurs, agrémentées d’un commentaire orienté, les représentations « réalistes » qu’elle semble donner contribuent efficacement à dessiner les contours jusque là bien flous de la vérité. Avec l’arrivée toute fraîche du numérique, il semble bien qu’enfin nous vivions le temps béni de la vérité sans limites.

Machine à capter le présent, l’appareil photo ne nous rend que du passé. Une trace, des traces qui laissent des plaies lumineuses et généralement indolores qui répondent au doux nom de souvenirs. Pour le vernaculaire, les fonds photographiques de la BCU sont des sources abondantes de bonheur. Les expositions des instantanés de Jacques Thévoz et des Mülhauser père et fils ont attiré une foule émue de fribourgeois venus assister à la résurrection éphémère du passé dont ils sont constitués.

À mes yeux la beauté d’un cliché ne joue qu’un rôle mineur dans son impact. Méprisé par les esprits supérieurs, l’aspect anecdotique d’une représentation touche le spectateur de manière très intime et occupe une place importante dans son cœur. Lors de ma visite de l’exposition consacrée au Fribourg des Mulhauser, quand j’en suis arrivé à la photographie « Planche Supérieure, 21 juin 1957 » reproduite ci-contre, ma première pensée a été : « Tiens, elle n’est pas terrible celle-là », puis : « 13840, mais c’est le numéro des plaques de papa ! » Mon père est mort en 1965 à l’âge de 43 ans. Troublé, j’ai occulté les enfants qui sont le sujet central de cette photo. Depuis, 50 ans après, accroché à un mur de mon atelier, je regarde quotidiennement mon père qui passe immobile par la Planche Supérieure dans cette voiture que j’avais l’obligation d’astiquer tous les samedis matin. Je détestais cette corvée mais j’aime m’en souvenir. Privés du soutien de la photographie, comment nos ancêtres alimentaient-ils leurs besoins de nostalgie ? Avec de la mémoire vive sans doute.

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Poster – Création Galerie Contraste – Fribourg

Extrait de «Exorcismes spirituels IV, Moderne contre Moderne»
Par Philippe Muray

On a tout essayé pour faire durer l’illusion de l’art. L’œuvre, l’absence d’œuvre, l’œuvre comme vie, la vie comme œuvre, l’œuvre sans public, le public sans œuvre, l’œuvre irrespectueuse (si irrespectueuse qu’elle n’est respectueuse que de l’irrespect), l’œuvre provocante, l’œuvre dérangeante. On a essayé l’intimidation, l’outrage, l’injure, la dérision, l’humiliation, la péroraison. En fin de compte, on le voit bien, il n’y a qu’une seule chose qui marche encore, c’est le chantage. L’art de la modernité en coma dépassé y fait entendre sa voix la plus irréfutable, en même temps qu’il s’enveloppe d’une sorte de sacré qui interdit absolument de s’interroger.

Il y a peu, les amusants responsables du musée d’art moderne de la ville de Paris résolurent d’acquérir une œuvre de l’artiste belge Marcel Broodthaers. Cette œuvre « met en scène », paraît-il, un perroquet. Pas un perroquet mort et empaillé, non, un beau perroquet vivant avec ses plumes aux couleurs multiples et son gros bec dur recourbé. Un perroquet, donc, destiné comme tout le monde, hélas, à mourir un jour. Une œuvre périssable en quelque sorte. Et même une œuvre de la nature. Un oiseau. De la famille des psitaccidés. Comme on en trouve généralement dans les régions tropicales. Ou, plus simplement, sur le quai de la Mégisserie. Ou chez des particuliers, dans des cages. Un de ces volatiles divertissants qu’on appelle d’ordinaire Coco et auxquels il arrive d’imiter le langage humain avec des voix de clowns enrhumés.

Flanqué de deux palmiers et accompagné d’un magnétophone répétant en boucle un poème qui dit «Moi je dis, moi je dis» sans fin, Coco est donc une œuvre d’art. Au même titre qu’un croquis de Michel-Ange. Le bonheur d’être art, de nos jours, est simple comme deux palmiers et un magnétophone. L’ours du Jardin de plantes, les lions de la savane et l’orang-outang de Bornéo en sont verts de jalousie : ils aspirent au magnétophone et aux palmiers en pot de la modernité. L’écureuil qui tourne sa roue attend aussi son Broodthaers. Et la grenouille dans son bocal avec sa petite échelle. Et les chiens de faïence, et les chiennes de garde. Et encore tant d’autres bestioles de compagnie comme les canaris et les crocodiles. D’autant que, ainsi artistifié, Coco a vu sa côte s’envoler : le musée d’Art moderne de la Ville de Paris l’a acquis pour la somme d’un million trois cent soixante-dix-sept mille de nos francs de l’année dernière. Et c’est là que les problèmes commencent. Ainsi que le chantage. Au-delà de quatre cent quatre-vingt-onze mille neuf cent soixante-sept francs (toujours de l’année dernière), les achats du musée d’Art moderne de la Ville de Paris doivent en effet être soumis pour approbation au Conseil de Paris. Où certains élus se sont tout de même émus. Et ont posé quelques timides questions. Du genre : est-il bien sage d’attribuer le statut
d’œuvre d’art à un animal vivant et mortel, si plaisant soit-il? Ou encore un million trois cent soixante-dix-sept mille de nos francs de l’année dernière pour l’achat d’un oiseau, même flanqué de deux palmiers, est-ce bien raisonnable ? Et aussi : une « œuvre » à laquelle il faut apporter tous les jours à manger et à boire peut-elle être considérée comme œuvre d’art au même titre que La Joconde ou La Vénus de Milo ? Et que dire de la nécessité de renouveler chaque soir le sable de sa cage ? Est-ce qu’on change le sable du Sacre de David ou des Noces de Cana de Véronèse ? Même pas celui des innombrables plages de Monet. Où pourtant il y a du sable. Du vrai. Peint.

Autant d’interrogations dangereuses, comme on voit, et tout à fait en désaccord avec la modernité moderne qui exige comme première condition, pour ne pas se fâcher, qu’on ne la discute pas. C’est d’ailleurs par là que Christophe Girard, sinistre préposé à la Culture de la Mairie de Paris, a clos la controverse. En déclarant qu’hésiter plus longtemps à reconnaître sans réserve au perroquet de Broodthaers le statut d’œuvre d’art revenait à « ouvrir la porte au fascisme ». Devant une telle mise en demeure, qui ne se dresserait pas au garde-à-vous ? Qui, surtout, aurait le mauvais goût de faire remarquer que c’est précisément ça l’essence du fascisme, le refus de la discussion sur la réalité au profit des mots d’ordre ; et qu’en se servant du Mal comme instrument de chantage on le laisse s’incruster dans le discours du Bien et s’y exprimer avec la force décuplée de l’intimidation ? Personne. Voilà donc Coco, entre ses palmiers, destiné à monter la garde à la porte de l’enfer. Chargé de veiller au salut de la civilisation contre la barbarie. En tant qu’œuvre d’art confirmée et estampillée. Cher Coco. On a quand même envie de lui dire de tenir bon. Et de bien surveiller la porte. Toutes les portes. Y compris celles de la Mairie de Paris.

Texte de Bogdan Krsic – 24 mai 1932 – † 21 octobre 2009

Jean-Pierre fait partie du cercle des artistes sensibles au message engagé et toujours d’actualité de cette grande œuvre de la Renaissance qu’est “La nef des fous” de Sébastian Brant, version populaire du savant traité “Eloge de la folie” d’Erasme de Rotterdam. De Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Albrecht Dürer et Hans Holbein aux artistes contemporains ainsi qu’aux graveurs du fantastique, comme le grand artiste slovaque Albin Brunovski, ce thème reste toujours aussi attractif car la folie humaine ne change pas, quelles que soient l’époque, l’ambiance et les apparences.

Cependant, Jean-Pierre a gravé une vision différente de “La nef des fous”. Il n’en offre pas une représentation d’exégète. Il ne nous fait pas la revue des folies individuelles et des vices humains décrits dans les 96 poèmes de Brant qu’Albrecht Dürer fut le premier à illustrer avec 96 gravures sur bois. Jean-Pierre nous montre l’image de la folie de l’ensemble des humains. Sa gravure figure un océan agité au milieu duquel la nef fait plus penser à une île qu’à un bateau. Une île à deux troncs dont la couronne porte une toile de corps humains aux poses grotesques et entrelacés de la manière caractéristique dont il dessine une grande partie de ses sujets. Il semble nous dire que ce qui importe ce n’est pas tant que les gens soient corrompus, exaltés, passionnés et fous, mais bien que le monde est fou et qu’il est gouverné par cette épidémie.

Cette gravure de grand format est, comme toujours chez Jean-Pierre, magistralement réalisée, avec un métier sans faille, artistiquement persuasive et riche en nuances.

 

Texte de Jean-Pierre Humbert

J’ai sous les yeux un article de dix pages consacré à Andy Warhol par la revue Beaux-Arts. Je suis rassuré, ses œuvres se vendent très, très, très cher. C’est évident, à ce prix, c’est un grand, un très, très, très grand artiste. Le plus humble des parvenus mondialisés est prêt à sacrifier une partie de sa fortune pour s’offrir une de ses créations.

Le décor est posé, je peux feuilleter l’article avec vous. Sur les pages une et deux, sont reproduites neuf boîtes de « SOUP Campbell’s » CONSOMMÉ – ONION – CHICKEN NOODLE – BLACK BEAN – VEGETABLE – PEPPER POT – BEEF – TOMATO – GREEN PEA – CREAM OF MUSHROOM. Visiblement l’Andy a suivi une formation de publicitaire. Des emballages de ce genre, nous sommes quelques milliers à en avoir dessinés ou photographiés. Jusque là, émotion-zéro, savoir faire-bof, créativité-bof, mais, selon l’auteur de l’article, un travail clairement révolutionnaire, révolutionnaire-zéro, bien sûr.

Pages trois et quatre, une phrase du journaliste qui finit par une citation du maître : Le phénomène de la répétition dans le travail de Warhol est clairement lié à une de ses déclarations fracassantes selon laquelle il aimerait bien être une machine. C’est suivi par la reproduction de 16 photographies noir-blanc de madame Kennedy, juxtaposées et imprimées en sérigraphie sur des fonds de couleur ainsi que de 36 photographies de madame Ethel Scull. Point d’orgue de cette double page, la bonne parole d’Andy : Si vous voulez savoir qui je suis, regardez la surface de mes tableaux et de mes films. Il n’y a rien derrière. La messe mondaine est dite. Suivent les photos colorisées d’autres têtes d’affiche ( Marylin, Mao, la boîte de coca et Andy himself, etc… ).

Inutile de s’attarder plus longtemps sur les plaisantes et populaires images produites par Andy Warhol. Son immense succès en dit long sur l’efficacité du matraquage publicitaire. Son œuvre et ses thèmes sont la vulgarisation fidèle des « idéaux » et des « dogmes » des sociétés industrielles. Parfaites représentations de notre mercantile univers prosaïque, les boites de conserve de Warhol figurent de manière servile l’abondance de produits frelatés que nous imposent les milliardaires philanthropes de la mondialisation.

Mais, pas de problème, les citoyens libres du monde libre adorent la servitude qu’ils ont conquise de haute lutte.

IGOR PIACKA – Rainman – Gravure
AE-2004 – Édition Galerie Contraste Fribourg
Texte de Philippe de Bellet

Les gens se courent après, nous courons après nos rêves dans lesquels tout cohabite, se croise, se frôle ou s’entremêle et s’interpénètre. Sublimes et folles visions, libérées des entraves de la pensée contrôlée, structurée, organisée, censurée. Tout est désormais possible, tout s’y produit, tout s’y transforme: ce que l’on espère et ce que l’on redoute. Même ce à quoi nous n’avions jamais accordé une once d’attention. Et contrairement à la réalité dans laquelle, éveillé, on est plongé, l’univers du rêve s’impose à nous sans que nous puissions y influer en aucune manière que ce soit. Le rêve, lui, est libre, nous pas.

Lumière et ombres, silhouettes et personnages identifiables, chutes et ascensions, espoirs et désillusions, menaces et promesses. Les petits personnages en séquence dont est constellé «Rainman», engagés dans leur ballet aérien – mais peut-être s’agit-il d’une danse rituelle, voire initiatique – ne font-ils pas aussi penser aux damnés de Jérôme Bosch, chutant et se débattant en vain dans la géhenne ? Jusqu’où dure le rêve avant de basculer dans le cauchemar, comme le bien dans le mal, la lumière dans l’ombre ou la nuit ? Inquiétant et fascinant.
Et qu’augurent ces signes symboliques qui égrènent, eux aussi, tant le chasseur mystérieux que sa proie – à moins qu’il ne s’agisse de sa conquête, voyez son doux sourire ! Notre ami graveur nous annonce l’heure grave.


Pierre lithographique en travail – JPH – 1976

Texte JPH

En 1976, mai soixante-huitait encore allègrement et les gardiens de la révolution, gentils organisateurs (GO) du Grand Soir (GS), vous offraient des vacances gratuites à la plage. Plage que, huit ans plus tôt, ils avaient trouvée sous les pavés qu’ils balançaient dans la figure des policiers. Ils étaient des centaines, ils étaient des milliers à tout oser. Michel Audiard avait raison, « c’est à ça qu’on les reconnaît ».

Dans cette atmosphère post-révolutionnaire, j’ai dessiné une suite de vingt et une lithographies que j’ai intitulée « SÀRL ». À peine terminées, à peine imprimées, maladroites, mal à gauche, mal dessinées et mal imprimées, les épreuves de mes sombres représentations des rouages de nos sociétés furent détruites. L’affaire m’avait quand même occupé pendant huit mois. Comme d’habitude, un discret vent d’espoir m’a incité à conserver un exemplaire de chaque sujet. Ces épreuves ont aussitôt été peintes et réinterprétées. Elles ont été exposées à deux reprises.

Aujourd’hui, les maux dont souffre l’humanité sont les mêmes. Ils se sont simplement nettement aggravés avec l’âge. Normal. Fort de ce constat, en 2010, j’ai ressorti du placard ce qui restait de ces œuvres et j’ai appliqué une dernière couche de couleur sur mes visions du passé, du présent et du futur. Il ne me reste donc plus qu’à protéger cette dernière version avec mon fameux verni conservateur et à attendre le rejet fatal qui sera suivi de l’épreuve du feu. Finalement, finalement, une fois de plus, en fumée tout disparaîtra.

J’ai les allumettes.